Музыка, музыкальное исполнительское мастерство относятся к направлениям искусства, которые реализуются с помощью времени – как театр, танец, кинематограф и др. Без понятия «времени» они просто не существуют. Именно поэтому понимание и ощущение времени является одним из наиважнейших факторов для музыканта. Степень тонкости и точности ощущения времени во многом определяет класс или уровень музыканта (да и слушателя тоже). Если говорить преувеличенно, то музыка – это и есть движение звуков во времени. Они могут иметь разную высоту (частоту), амплитуду, тембр; звук может быть один или их может быть множество и т.д. Но время – это именно то измерение, в котором существует музыка.
Резонно предположить, что развитием понимания времени (или даже «управление временем») необходимо заниматься очень много и всесторонне.
Начальный этап – это теоретическое понимание структурированности музыки с точки зрения времени. Темп, такт, размер такта, длительности и группировки нот и так далее – просто понять организацию нот во времени.
Второй этап – научиться слышать и исполнять максимально четко то, о чем человек узнал на начальном этапе, то есть реализовать в практику усвоенную элементарную теоретическую базу.
Следующий этап – продвинутый второй. Здесь все навыки должны быть усвоены до автоматизма. То есть человек без усилий свободно исполняет стандартные вещи (ну, как пример, он может за несколько секунд четко повторить какой-либо ритмический рисунок, усложнить его, разнообразить и т.п.). Более того, поскольку базисные навыки усвоены, человек может работать в нестандартных размерах, может уверенно играть с другими музыкантами, придумывать собственные партии, имеющие четкую и однозначную структуру и так далее и так далее.
Так вот для второго и третьего этапа этой приблизительной эволюционной схемы очень сильно помогает метроном. Оговорюсь, что он не должен быть единственным средством развития «ритмической культуры», но он является очень удобным и гибким инструментом.
Кратко упомяну, что на этом этапы не заканчиваются. Если (назовем его) «обучающийся» музыкант воспринимает музыкальную ткань как достаточно жесткую структуру (как четкие квадратики на бумаге в клетку), то настоящий музыкант всегда идет глубже (грубо говоря, его клетки на бумаге не являются строго одинаковыми) – это касается всей ритмической подоплеки музыки – и темпа, и более непосредственного отношения к размерам такта, и соотношения нот (даже теоретически одинаковых) между собой по длительности и пр. К слову сказать, и не только ритмической части – также и динамической (громкость каждой ноты), и тембральной и т.д.
Можно привести великое множество примеров – любой высококлассный музыкант на любом инструменте в своем исполнении очень четко «управляет» временем, и все делают это по-своему, и в разных ситуациях – по-разному, придавая свое индивидуальное дыхание нотам. Другое дело, что не всякий слушатель это понимает (слишком низкий культурный уровень), но немало людей интуитивно чувствуют. Никто из обывателей не может объяснить, почему Eminem качает сильнее, чем ###### (вставьте любого отечественного рэп-исполнителя). Но радует, что некоторые это хотя бы чувствуют. У каждого хорошего музыканта, группы, этнического ансамбля есть в игре потрясающее музыкальное движение, и если вы никогда не обращали глубокого внимания на этот момент, возможно, это станет вашим самым большим открытием как для слушателя и музыканта.
Но в принципе, примеры давать бессмысленно – это может быть кто угодно: и Eminem, и 50 Cent, и Snoop Dogg; и Slipknot, и Led Zeppelin, и Tool; и Christina Aguilera, и Michael Jackson, и Tori Amos; и John Surman, и Kimmo Pohjonen, и Steve Vai; и даже Pussycat Dolls или Sugababes. Вообще, чем шире ваш музыкальный кругозор, тем лучше вы воспринимаете музыку вообще. Губительно быть слушателем только определенных направлений – палитра красок беднеет на порядок. Например, в испаноязычной поп-музыке есть вещи, которых нет в американо-европейской. Или, например, гитаристы уже не одно поколение изобилуют вертушками в своих соло – их используют все, но я не могу назвать никого, кто исполнял бы их также умопомрачительно, как негитарист John Surman (например, в композиции «Not Love Perhaps»).
Вернемся к метрономам. Метрономы бывают разные – софтовые (как отдельные программы, так и встроенные в, например, нотные редакторы или секвенсоры) и «железные» (механические и электронные). Если вы выбираете «железный», то лучше если это будет электронный, причем, приятно, если этот метрононом не «пикает», а именно «кликает», ибо при многочасовой работе кликанье действует не так раздражительно. Вам не нужны никакие драм-машины или меганавороченные метрономы, вам нужен простой прибор или программа, которые ровно издают короткий и хорошо различимый звук (и кстати, не рекомендую даже ставить в качестве звука метронома удар барабана – бочки или ведущего, лучше просто клик).
Занимаясь под метроном, делать это нужно правильно, поскольку при неправильном подходе нет никакой гарантии, что будет приемлемый результат. Для начала – почитайте и усвойте теоретическую базу. Не просто по диагонали вычитав из Википедии, что такое «ритм», а системно и до полного понимания. Не следует браться за практику, предварительно не усвоив теорию, это простое правило сэкономит кучу времени и избавит от дальнейших мучительных проблем. Объем информации, который нужно обработать – предельно маленький, но он поможет построить правильную структуру в голове, и в дальнейшем эта привычка раскладывать всю математику музыки в голове будет важным приобретением.
И вот только теперь имеет смысл перейти к теме урока – «Как правильно играть под метроном». Понимать это нужно более корректно – «Как правильно заниматься под метроном», ибо просто не осмыленная игра как таковая ничего не даст, результат будет только при осмысленных и регулярных занятий с метрономом. Вот несколько принципов и идей, проверенных многолетним опытом.
1. Темп метронома, длительности.
Многие справедливо полагают, что чем быстрее темп метронома, тем сложней играть. Но справедливо и обратное – в медленных темпах играть по-настоящему сложно. Не столько с технической точки зрения, сколько с ритмической. Я рекомендую на первых порах (ориентировочно, несколько недель) ставить конкретный темп – 40 bpm. И не прыгать регулярно на более быстрые (с мотивацией «у меня не получается» или «мне скучно/сложно» и пр.), а играть строго в одном, чтобы засадить в подсознание ощущение стабильности.
Итак, поставили темп 40 bpm, и учимся играть самые простые доли – 8-е и 16-е. По умолчанию клик метронома принимается за четверть, поэтому при игре восьмых нужно играть две ноты на клик, при игре шестнадцатых – четыре ноты на клик. Играть нужно обязательно переменным штрихом (вниз-вверх-вниз-вверх), на первых порах можно даже без левой руки – только правой.
Самые частые ошибки, совершаемые при исполнении этих упражнений:
1. Излишняя сконцентрированность на процессе. Концентрация – это напряжение, а самое главное вообще при игре на инстументе – быть максимально расслабленным. Поэтому поменяйте «концентрацию» на «осознанность». Очень близкие понятия, но дающие разный результат в итоге.
2. Акцентирование ноты, попадающей под клик. Старайтесь, чтобы динамика (громкость) нот была предельно одинаковой. И в голове первую долю тоже не выделяйте как «главную». Она – не «главная», она – «одна из».
3. Избыточное желание попасть в метроном. Это приводит к тому, что человек играет отвратительно неровно – он очень хочет попасть в клик, а на остальные ноты, находящиеся между кликов, внимания не обращает никакого. Поменяйте приоритет – мы не стараемся попась в метроном, мы стараемся сделать работу нашей правой руки более стабильной. Думайте не о попадании в клик, а о стабильности всего потока нот, это принципиально другая задача. Прочувствуйте маятниковость движения правой руки!
Только после того, как уверенно освоете ровную игру 8-х и 16-х в темпе 40 bpm, включая игру любых фраз левой рукой, можно плавно переходить к изучению и других группировок – триоли восьмыми, квинтоли 16-ми, секстоли 16-ми, септоли 16-ми, 32-е и т.д.
2. Прежде чем сыграть – спой!
Хорошим толчком в развитии ритмики может послужить пение того, что вам предстоит сыграть. То есть прежде чем сыграть фразу на гитаре, попробуйте:
– проговорить ее ритмику какими-либо междометиями («ты-кы-та-ра-ты-кы-та-ра...») или счетом («раз-два-три-раз-два-три...»), причем лучше, если ваш счет будет односложным («четыре» или «пятнадцать» не подойдут);
– пропеть по нотам (причем и то и то надо уметь делать как про себя, так и вслух);
– простучать по столу, прохлопать;
– (если фраза играется только медиатором) – проиграть ритмику фразы правой рукой по открытой заглушенной струне.
Хорошо уметь делать это все и для любой фразы, потому что при разных способах работают несколько разные области мозга.
Как показывает опыт, если человек не может проговорить фразу (ритмически), то значит он не сможет ее сыграть действительно правильно. Вообще, такой внутренний счет и привычка к нему очень хорошо сказывается на развитии своего внутреннего метронома, помогает на слух снять сложную и быструю ритмику из записи и пр.
3. Работа тела в процессе игры под метроном.
Для человеческого тела ритмичность не является чем-то необычным. Каждый орган или система органов имеет свои циклы, поэтому включение тела в работу над ритмикой очень хорошо помогает (а у многих музыкантов это проявляется неосознанно как часть процесса исполнения музыкального материала). Можно раскачиваться всем телом, можно головой. Можно ногой отстукивать ногой определенные доли. Тут также существуют вариации – если, к примеру, метроном считает четверти, руками вы играете 16-е, то ногой нужно уметь считать как четверти (один удар ноги на удар метронома), так и 8-е (два удара). В последнем случае правая рука и нога будут двигаться параллельно – вниз-вверх-вниз-вверх. Причем учтите, что у ноги есть два состояния – внизу и вверху, и хорошо, если нога движется ровно между этими крайними точками (как маятник), и если в крайнее верхнее состояние она приходит ровно на половине фразы (на 3-ю долю, если играть 16-ми и считать ногой четверти).
Этот навык помогает прочувствовать стабильность темпа (за счет работы всего тела или отдельно – ноги), приучает внутренний метроном держать одинаковый темп, а в дальнейшем будет помогать просчитывать сложные размеры или большие паузы, когда человек еще не научился воспринимать музыкальный материал комплексно.
На всякий случай – под метроном необходимо отрабатывать ВСЕ, что вы играете. И легато, и свип, и тэппинг, и риффы, любые фразы, произведения. Если вы не можете сыграть произведение (рифф, фразу) под метроном от начала до конца, значит вы НЕ умеете его играть.
4. Работа с паузами в метрономе.
Если вы достигли уровня, когда достаточно автоматически играете под метроном в разных ритмиках, умеете их смешивать, можете читать книжку вслух или просто связно поддерживать разговор, одновременно играя под метроном, попробуйте следующую идею – играть не просто в метроном, а в метроном с паузами, когда клики пропадают. Откройте секвенсор (Sonar, Pro Tools, Cubase и т.п.), пропишите двенадцать четвертных нот каким-нибудь перкуссивным инструментом (кликающим), а цикл поставьте на шестнадцать четвертей. То есть всего у вас шестнадцать кликов, но четыре последние из них не звучат – вы должны продолжать играть и при зацикливании попасть в первый удар и не сбиться. Постепенно увеличивайте число пустых четвертей
СТАТЬИ ПО ТЕМЕ:
Знакомство с гитарным кейсом
Онлайн метроном Онлайн тюнер - Настройка гитары Музыкальный Магазин
